Aunque a los músicos clásicos se les enseña desde el principio a desarrollar una disciplina de práctica equilibrada, suelen sentirse perdidos a la hora de a enfrentarse estilos contemporáneos, improvisación y temas así.

¿Te suena no?

Porque dominar la improvisación requiere también de un régimen de trabajo equilibrado, igual que dominar un concierto, y es por eso que estoy desarrollando un enfoque, basado en el sentido común, para practicar la improvisación, y lo he grabado en una nueva lista de reproducción de 18 videos titulada “Anatomía de un ritmo”.

Antes de revisar el contenido (activa los subtítulos de los vídeos y la traducción automática al español), retrocedamos y pensemos en la visión general de la que se deriva.

La relación de la comunidad clásica con la improvisación y los estilos contemporáneos es conflictiva, y la razón principal es que a los músicos y educadores clásicos (la mayoría de los cuales solo han tenido introducciones superficiales a estas disciplinas), los árboles les impiden ver el bosque.

Pero mas que incidir en este problema, me gustaría que se desarrollara un consenso en torno a un plan de estudios, es decir, una extensa colección de lecciones / habilidades / conocimientos.

Los profesores de jazz de todo el mundo tienen desarrollado un modelo de plan de estudios, pero puede ser alienante para músicos de formación clásica que no buscan “participar” y convertirse en auténticos jazzmen. Los músicos clásicos necesitan un plan de estudios que haga espacio para el jazz pero que no dependa de él. Deben estar abiertos a nuevos ámbitos de la música en los que la búsqueda del jazz no es un requisito.

En ese sentido propongo tres pilares de un plan de estudios prospectivo para ampliar la formación musical de los músicos clásicos:

1) Creatividad musical: improvisación, composición y arreglos.

2) Armonía y ritmo:

a) interiorizar y comprender la armonía en términos de construcción de líneas de bajo, inner voices y melodías.

b) interiorizar patrones rítmicos o grooves.

3) Conocimiento de una gama asequible de estilos musicales contemporáneos.

En mis talleres creativos suelo aplicar esta gama de módulos pedagógicos:

  1. Improvisación tonal, arreglo, composición. Algo importante sobre esto es la interiorización del voice leading (un voice leading es conectar las notas de un acorde con las más cercanas del siguiente acorde) en estructuras armónicas básicas típicas de la música popular actual.
  2. Interiorización de escalas y modos: consejos prácticos basados en los modos/escalas para utilizar en improvisación y composición.
  3. Blues, incluyendo un análisis básico cultural, histórico, literario y musical.
  4. Improvisación no tonal, en formatos a solo, pequeño ensemble y gran ensemble.
  5. Amplificación y efectos de sonido.
  6. Técnicas de brazo derecho e izquierdo para estos géneros y usos.

La lista de reproducción del video anterior trata de muchos de estos temas mediante un caso práctico: un enfoque para aprender una nueva melodía. La canción del vídeo de cabecera se basa en un sencillo vamp de dos acordes. Constituye, podríamos decir,  “la anatomía de un ritmo (grooving)“.

Este vamp funky de dos acordes recuerda un poco al “Mr. Magic ”o“ Chameleon”de Herbie Hancock, y la pista de acompañamiento se hizo usando mi violín eléctrico Yamaha con efectos sencillos y un pedal de “looping” (bucle).

Cómo practicar arpegios

La estructura armónica del vamp es una progresión recurrente de dos acordes. Cómo practicar los arpegios se trata como uno de los muchos pasos para interiorizar la estructura de este vehículo de improvisación.

Cómo crear una línea de bajo

Aquí cubrimos el proceso de creación de una línea de bajo, así como algunas de las técnicas de la mano derecha disponibles para tocar dicha línea de bajo en violín, viola o violonchelo.

Cómo construir los intervalos de acorde.

  1. Identifica las notas 3ª y 7ª de cada acorde.
  2. Encuentra el “voicing” más cercano  para que te  muevas en la menor distancia posible entre ambas dobles cuerdas.
  3. Practicar variaciones rítmicas.

Cómo crear patrones de acompañamiento

(desde un punto de vista técnico y rítmico)

  1. Notas fantasma con la punta del arco.
  2. Chops con el talón del arco.
  3. Tocar como una guitarra rítmica rasgando las cuerdas, en todas las subdivisiones rítmicas.
  4. Tocar como una guitarra rítmica sin rasgar las cuerdas en todas las subdivisiones rítmicas.

Cómo practicar escalas pentatónicas

Formas eficientes de practicar e interiorizar escalas pentatónicas en violín, viola o cello.

Cómo practicar escalas de blues

Formas eficientes de practicar e interiorizar escalas de blues en violín, viola o cello. La escala de blues es solo una de las herramientas posibles (de muchas) para crear improvisaciones efectivas en violín, viola o cello.

Cómo determinar los elementos de un buen solo

Aquí ya nos metemos en la segunda mitad de nuestra lista de reproducción explicando que, más allá de dejarnos guiar por el conocimiento de la línea de bajo, los voicings y la estructura rítmica, un buen solo es una combinación de diversidad y repetición y se hace más factible cuando tenemos un repertorio de trucos, basados en una serie de criterios.

Cómo hacer grooving con violín

Uno de los elementos de cualquier buena interpretación en solitario o musical tiene que ver con cómo efectuar un buen groove. Ya sea con violín, viola, cello o cualquier otro instrumento, realmente no hay diferencia. Al cdominar el ritmo cuando practicas la improvisación, puedes tocar ideas pequeñas o sencillas que aún así resulten convincentes.

Usando algoritmos de fraseo

Al igual que la armonía, el ritmo, el estilo y muchos otros elementos de la improvisación de un solo, el factor del fraseo es un buen elemento a usar para construir solos fuertes e improvisados. En este video hablo sobre cómo practicar el uso de “algoritmos de fraseo” para improvisar en violín, viola o cello.

Introduciendo un desarrollo de motivos

Aquí hablamos de las estrategias para usar el desarrollo de motivos en tus improvisaciones.

Criterios para dosificar tus improvisaciones

Aquí expongo la “disciplina de la moderación”, también conocida como la disciplina de improvisar mejor tocando menos. A menudo cometemos el error de afrontar riesgos innecesarios a expensas de la música. En otras palabras, podemos limitarnos a tocar solo cuando las ideas sean claras y definidas, tanto en las frases, en los groovings, en los cambios, etc.

Tocando licks chulos

En este video de recapitulación, te doy la oportunidad de ponerte a prueba e intentes tocar conmigo. Siéntate libre de rebobinar en este video que muestra cómo tocar canciones geniales de jazz con violín, viola y violonchelo, o cualquier otro instrumento 🙂

Espero que estéis de acuerdo conmigo en que esta materia merece un plan de estudios de gran envergadura. “Anatomía de un ritmo” es un estudio de caso práctico que analiza muchos enfoques para dominar un simple vamp de dos acordes. Es un pequeño vistazo al currículo que Creative Strings continúa desarrollando a través de sus publicacionesvideos instructivosprogramas pedagógicos alternativospodcasts y mucho más.


Fuentes: